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Velandia y la Tigra 5v4q1f ingenio y vanguardia en el Concierto de la Esperanza

Fri, 23 May 2025 03:03:53 +0000

Velandia y la Tigra: ingenio y vanguardia en el Concierto de la Esperanza afcastellanos Jue, 22/05/2025 - 22:03

Velandia y la Tigra, proyecto de música fusión de Piedecuesta, Santander, liderado por Edson Velandia, se presenta en vivo este 8 de junio en el Concierto de la Esperanza ¡Latinoamérica migrante resiste! Un evento gratuito de RTVC Sistema de Medios Públicos en la Plaza de Bolívar de Bogotá, con transmisión en vivo de Señal Colombia, Radiónica, Radio Nacional de Colombia y RTVlay.

La originalidad de Velandia y la Tigra

En 70 años de música alternativa en Colombia, pocos proyectos musicales se han destacado tanto por su originalidad como Velandia y la Tigra. Tan única es esta propuesta que Edson Velandia, su creador, se vio en la necesidad de inventarse un género propio, ya que los existentes no terminaban de representar su propuesta influenciada por la música andina y una técnica de Spoken Word (o palabra hablada) que imprime en la banda una personalidad única. Así, surgió la «Rasqa»: un término derivado de los «rascabuches», como se les conocía a los payasos inútiles de los circos santandereanos.

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🇨🇴✊ ¡De Piedecuesta, Santander, para el mundo! Los ritmos de Velandia y la Tigra llegarán al #ConciertoDeLaEsperanza: Latinoamérica Migrante Resiste.

🤘🏿Entrada libre
🗓️ 8 de junio de 2025
📍 Plaza de Bolívar de Bogotá
📡Transmisión por @SenalColombia, @RadNalCo y @RTVlay. pic.twitter.com/RqcQnFbe2b
— Señal Colombia (@SenalColombia) May 21, 2025

«Con Velandia y la Tigra no era tan claro dónde suscribir la música. Yo no quería ser roquero, no era la idea, ni tampoco jazzista, ni tampoco folclorista. Era una exploración como la del pintor o la del escritor. De puertas para adentro, pintando sus cuadros, haciendo sus poemas de una manera espontánea y no necesariamente siguiendo un género. Entonces no quería tampoco que cuando hablaran de nuestra música en alguna nota periodística dijeran que era rock o era jazz. Entonces se me ocurrió que había que buscarle un nombre y le puse Rasqa», explicó Edson Velandia para la serie documental Nación Rebelde de Señal Colombia.

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La historia y discografía de Velandia y la Tigra

Velandia y la Tigra surgió en 2007. Fue el segundo proyecto musical de Edson Velandia, después de Cabuya. Desde la aparición del grupo, sus puestas en escena marcaron una propuesta novedosa y cómica, con lenguajes audiovisuales experimentales. De Once Rasqas, álbum debut de la banda, sobresale el sencillo El Sietemanes, con novedosos juegos de palabras y que marcaría la tendencia de un fuerte componente teatral en sus videoclips.

De Superzencillo, segundo álbum de Velandia y la Tigra, la canción Balada suma casi un millón de reproducciones en Spotify. El arte del disco muestra la ilustración de un hombre en corbata con una cabeza de burro. Un símbolo campesino y circense que se convertiría en la imagen más representativa de la banda.

En los álbumes Oh, Porno! (2010), Eggipto: requien rasqa pa’ cielito (2011) y el EP La lengua del León (2011) surgieron hits como Naranjas y Calavero, antes de que la banda entrara en un receso de 12 años. En este tiempo, Edson Velandia brilló con su proyecto solista. Su música, ingeniosa y festiva, fue protagonista del estallido social colombiano que derivó en la llegada de Gustavo Petro a la Presidencia. Adriana Lizcano, su pareja, fue la dupla del músico santandereano en este viaje musical y en la aparición del Festival de la Tigra: evento que se celebra anualmente en Piedecuesta para promover artistas emergentes.

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En 2023, Velandia y la Tigra selló su regreso mediante un nuevo disco de estudio, llamado Proverbios Burros, con éxitos como Ñera, Venganza y Venezuela: un elogio a partir de recuerdos al país más cercano a Colombia, cuya hermandad se ha visto debilitada en el último tiempo por culpa del imperialismo occidental.

Velandia y la tigra en el VI Concierto de la Esperanza

Velandia y la Tigra llega en 2025 al VI Concierto de la Esperanza ¡Latinoamérica migrante resiste! precedidos de sensibilidad social, un interesante sentido de colombianidad y un ingenio creativo nunca antes visto en el arte colombiano.

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«Siempre he estado en una exploración. Creo que mi propósito ha sido no repetir esquema. Hasta hoy mi trabajo sigue funcionando alrededor de eso que ni siquiera se ha conocido o explorado. Evitando el lugar seguro, aunque obviamente he puesto en juego otros elementos que sé que funcionan. Logramos hacer una música urbana que no se concebía dentro de algo predeterminado. Ese puede ser mi aporte. Inventar un color, un sonido nuevo», concluye Edson Velandia que se presentará con Velandia y la Tigra en la Plaza de Bolívar de Bogotá el domingo 8 de junio de 2025, en un evento gratuito transmitido por la radio y la televisión pública de Colombia.

Inti 3o5s1j Illimani: espíritu andino, identidad y resistencia

Thu, 22 May 2025 17:46:31 +0000

Inti-Illimani: espíritu andino, identidad y resistencia afcastellanos Jue, 22/05/2025 - 12:46

Inti-Illimani es uno de los invitados principales del Concierto de la Esperanza ¡Latinoamérica migrante resiste! La agrupación chilena de música andina se presenta gratis este domingo 8 de junio de 2025 en la Plaza de Bolívar de Bogotá, con transmisión en vivo para todo el país por Señal Colombia, Radiónica, Radio Nacional de Colombia y RTVlay.

“El pueblo unido jamás será vencido” es probablemente la primera frase que aterriza en nuestra mente cuando pensamos en arengas populares. Este verso surgió en 1973 y se convirtió en himno gracias a las agrupaciones Quilapayún e Inti-Ilimani: máximos referentes de la llamada “Nueva canción chilena” y símbolos latinoamericanos en representación cultural y resistencia al imperialismo occidental.

Casi 60 años de historia y una misma cantidad de álbumes de estudio prueban el poder y longevidad de Inti-Illimani: un grupo que con el paso del tiempo se ha rotado la antorcha entre integrantes de distintas generaciones.

La historia de Inti-Illimani

La historia Inti-Illimani está atravesada por procesos políticos, sociales y culturales latinoamericanos. Especialmente, por su lucha a favor de la justicia social, la democracia, los derechos humanos y su resistencia a las dictaduras y los autoritarismos políticos.

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Inti-Illimani fue fundado en 1967 por Óscar Guzmán, Horacio Durán, Pedro Yáñez, Jorge Coulón, Max Berrú y Ciro Retamal, estudiantes de la Universidad Técnica del Estado de Chile (hoy, Universidad de Santiago). El nombre del grupo proviene del idioma aimara y significa "Sol del Illimani", en referencia a una montaña de Bolivia.

Inti-Illimani fusiona instrumentos tradicionales andinos como la quena, el charango y la zampoña, alrededor de una fuerte conciencia social. Desde sus inicios participaron activamente en la Nueva canción chilena, junto a Víctor Jara, Violeta Parra y Quilapayún.

Durante el Golpe de Estado en 1973 liderado por Augusto Pinochet y los militares chilenos (que inició con el asesinato del presidente Salvador Allende), Inti-Illimani estaba de gira por Europa. Este hecho fortuito salvó la vida de sus integrantes, pero los mantuvo exiliados de su país durante 15 años, poco antes del regreso de la Democracia a Chile.

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La música de Inti-Illimani

A través de su historia, Inti-Illimani ha estado alineado con premisas de libertad, justicia social, memoria y solidaridad. Sus canciones abordan temáticas como la lucha de los pueblos indígenas y campesinos, la identidad cultural latinoamericana, el exilio y la esperanza en el retorno. Además de su mensaje político, también exploran temáticas poéticas, amorosas y existenciales.

Las canciones más memorables de Inti-Illimani son la mencionada El pueblo unido jamás será vencido de 1973 (himno de resistencia), Alturas de 1973 (basada en la obra de Pablo Neruda), La Partida de 1974 (interpretación instrumental andina), Vuelvo de 1979 (sobre el exilio y la esperanza), Samba Lando de 1984 (fusión de ritmos afroperuanos) y Sobre tu playa y Malagueña de 2002 (sobre el amor y la nostalgia).

El legado de Inti-Illimani

Con la llegada del Siglo XX, Inti-Illimani se ha dividido entre el Inti-Illimani histórico y el nuevo Inti-Illimani. Ambas formaciones mantienen viva la esencia del proyecto original, se dividen repertorios y siguen girando alrededor del mundo.

Con su formación clásica liderada por Horacio Durán y Jorge Coulón, Inti-Illimani se presenta gratis en la Plaza de Bolívar de Bogotá este domingo 8 de junio, en el VI Concierto de la Esperanza ¡Latinoamérica migrante resiste! junto con un cartel nacional e internacional de lujo. Este concierto organizado por RTVC Sistema de Medios Públicos será transmitido en vivo a través de Señal Colombia, Radiónica, Radio Nacional de Colombia y RTVlay.

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#ATENCIÓN🚨🚨🚨 | ¡Este es el line up de artistas que tendremos en el Concierto de la Esperanza: Latinoamérica Migrante Resiste! ✊🏻

¡Te esperamos este 8 de junio de 2025 en la Plaza de Bolívar de Bogotá para cantar juntos en una sola voz! 🎤🎵

Entrada gratuita 🎟️ pic.twitter.com/Ew92J3GZ9v
— Señal Colombia (@SenalColombia) May 15, 2025

Kombilesa Mí 124649 directamente desde San Basilio de Palenque

Wed, 21 May 2025 20:48:00 +0000

Kombilesa Mí, directamente desde San Basilio de Palenque

Fotos: redes sociales de la agrupación

djauregui Mié, 21/05/2025 - 15:48

Kombilesa Mí es en la actualidad la representación del Rap Folklórico Palenquero, una combinación de ritmos revolucionaria que ha puesto a este colectivo en la mira de los aficionados de la música urbana con influencias tradicionales.

Nacido el 20 de julio de 2011, Kombilesa Mí, afirman los medios de comunicación, es una forma actual de conocer la histórica población de San Basilio de Palenque a través de su música.

Esta destacada agrupación, que hace parte del cartel del Concierto de la Esperanza: Buenaventura Música por la Paz tiene una propuesta auditiva llena de historias, costumbres, tradiciones y música autóctona de este histórico pueblo de Bolívar.

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Kombilesa Mí, Hip Hop al estilo palenquero

Kombilesa Mí traduce al español “mis amigos”, y su nombre está relacionado con la forma en la que nació y en mucho de lo que tiene que ver su huella musical, pues sus letras e interpretaciones son en español y en lengua tradicional palenquera.

Esta agrupación es un acervo auditivo, sumamente creativo y bien elaborado (incluso con instrumentos propios) que contiene historias, costumbres, tradiciones y música autóctona de San Basilio de Palenque, fusionando los sonidos tradicionales del caribe colombiano como el Bullerengue, la Cumbia, el Mapalé, y la Champeta con el Hip Hop, a lo que han denominado el Rap Folklórico Palenkero RFP.

“A nuestra comunidad llegó el rap, habían solistas y agrupaciones. Entonces lo que hicimos fue lanzar una convocatoria, nos citamos en la Casa de la Cultura y socializamos la idea de crear un colectivo o movimiento de hip hop en Palenque y ese fue nuestro inicio”, explicó Andris Padilla Julio, mejor conocido como Afroneto, al diario El Universal.

La inspiración de esta agrupación es su gente, su tierra, su memoria. De acuerdo con declaraciones de integrantes de Kombilesa Mí a medios de comunicación, la música de este colectivo viene de la cotidianidad palenquera.

De ahí que las manifestaciones culturales que hacen parte de ese patrimonio folklórico y cultural de San Basilio de Palenque son la inspiración de este colectivo, pues su contenido procura narrar ese patrimonio cultural y lo que pasa a diario en la comunidad de Palenque: desde los acontecimientos de la población, sus fiestas, eventos, y victorias colectivas.

La música de Kombilesa Mí es, entonces, libre y compleja, tal como lo es la significativa historia de San Basilio de Palenque, el primer pueblo afrodescendiente de América y un pueblo revolucionario que incluso antes de la campaña libertadora de Bolívar rompió las cadenas de la colonización europea.

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Kombilesa Mí: sinónimo de innovación musical

La agrupación experimenta con los instrumentos creados por sus antepasados y con lo que han sido relacionados desde jóvenes, haciendo uso de ellos y modificándolos para lograr nuevos sonidos.

De esta manera, sobre percusión tradicional, tambores metálicos de diseño propio hechos a mano y marímbula, Kombilesa Mí deja todo el poder del Hip Hop bilingüe, es decir en español y en palenquero, lengua vernácula de origen africano resultado de la fusión de Bantú y aportes del portugués, francés , inglés y castellano.

De esta fusión y creatividad artística han surgido éxitos como Má Kuagro, Así es palenque, Los peinados, I a Piya Bó, entre otros.

Así es palenque, lanzado en 2016, les significó una nominación a mejor agrupación independiente en los premios Shock en Colombia, y Esa palenkera, canción estrenada en 2018 fue la excusa para su gira debut en los Estados Unidos, participando en escenarios como NPR Tiny Desk en 2022.

A partir de allí han llegado a escenarios internacionales como Teatro Market Johannesburgo, en Sudáfrica (2023) y las tarimas del Festival de Jazz de New Orleans Congo Square (2024).

Kombilesa Mí es una agrupación que a partir de su propia historia e identidad cultural han logrado hacer una fusión musical donde sus raíces y el Hip Hop los han hecho destacar tanto en la escena nacional como la internacional.

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Aportes de las mujeres a la música afro 2j81b

Tue, 20 May 2025 16:37:24 +0000

Aportes de las mujeres a la música afro sacosta Mar, 20/05/2025 - 11:37

Señal Colombia trae a su pantalla 'Polifonía', un documental que relata el aporte de las mujeres a la música afro en sus territorios.

Son múltiples sonidos que expresan derechos y saberes, prácticas y resistencias desde la antigua esclavitud africana, hasta la actual economía extractivista que perjudica a sus habitantes.

Por eso quisimos profundizar más allá del documental, y explorar con la ayuda de dos expertas sobre la importancia de la mujer en la música afro.

Somos las Renacientes y les queremos cantar, el papel de nuestras mujeres en nuestra comunidad, desde África hasta el Cauca, esclavizadas vinieron, todas aquellas ancestras que las cadenas rompieron.
Las Renacientes

Con el fragmento de esta canción inicia el documental Polifonía, dirigido por Lina Gaitán, quien tomó como eje el colectivo femenino Las Renacientesun grupo de mujeres que desde la comunicación propia y comunitaria, trabajan para mantener la memoria de sus comunidades ancestrales.

Aportes a la música afro

De acuerdo con Gaitán, el principal aporte de las mujeres que pudo percibir durante la realización de este contenido junto a la Asociación Municipal de Mujeres de Buenos Aires (Cauca), fue "la dimensión humana, pues la música es un hilo para trenzar la comunidad, es el saludo con los vecinos, el contrapunteo de una copla para hacer más amena una jornada de trabajo, pues durante generaciones han sido las mujeres las que crean y recrean versos que se hacen tan famosos y que muchas veces se vacían de contenido al llevarles al público blanco mestizo".

Incluso añadió que "las mujeres traen la música desde la profundidad de la vida cotidiana, más allá de un festival o una tarima, ellas no pueden ser vistas como un objeto de consumo por su aporte patrimonial".

Aportes sociales

La unión y el vínculo que genera la música femenina afro tiene un gran impacto social, de acuerdo con Heny Cuesta, catedrática de estudios afrodiásporicos de la Secretaría de Educación de Bogotá, "varios de los aportes están ligados a temas religiosos y de género, donde la mujer destaca su cuerpo, la voz, los llantos, gritos y risas que caracterizan la historia de la mujer negra".

Claro que estas emociones no se pueden reducir a un mero argumento fonético o estético, pues cada una de estas expresiones, de acuerdo con Cuesta, "son una figura política, en cuanto su voz se vuelve una denuncia de lo que pasa en su territorio, lo cual genera un gran aporte de las mujeres a la música afro".

Entre los referentes contemporáneos que han contribuido a estos aportes, según la experta están: Totó la Momposina, Nidia Góngora, Goyo de Chocquibtown, Zully Murillo. Entre otras.

Y es que son muchas las razones por las que las mujeres afro protestan, entre las más problemáticas están, según la Asociación de Mujeres Afrocolombianas: violencia sexual, física y psicológica. También violencia étnica y desplazamiento.

Otra problemática evidenciada por la Corporación Humanas Colombia es la errónea interpretación de la palabra étnico, "el calificativo de “étnicos” se aplica única y exclusivamente a los pueblos indígenas, por lo cual la Ley 691 excluye a los afrocolombianos. Esto, a pesar de que la población afrocolombiana es titular de los mismos derechos culturales que los pueblos indígenas".

Aportes musicales

Gracias a los aportes de la mujer a la música afro, se han respetado sucesos trascendentales en las comunidades donde la música tiene un uso social específico.

Por ejemplo, a las niñas del municipio de Andagoya, en Chocó, a través de las marimbas y cánticos se les da la bienvenida a ser mujeres por la llegada de su primer periodo menstrual.
Heny Cuesta, catedrática de estudios afrodiásporicos y etnoeducación

Hay otros aportes más relacionados a los sonidos y la composición. Consultamos a Carolina Mosquera, directora del Afrofestival en Colombia y nos comentó que "la mujer es la que más contribuye en la mayoría de los cantos de la música afro, especialmente porque construye sus propias letras e interpretaciones, que en su mayoría son súplicas, lamentos, alabanzas y agradecimientos a la vida".

Es por ello que a través de las letras, Mosquera sostiene que muchas de ellas se ven influenciadas por el entorno, donde se permite contar esa historia no contada de forma oficial. "Desde las letras se impide el olvido de sus tradiciones, allí las mujeres utilizan los cantos para reconocer la construcción de nación que se ha hecho durante siglos y ha permitido hasta el presente el tejido de la mujer afro en la comunidad".

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Serú Girán regresa a los escenarios y se presentará en el Festival Cordillera 2025 115o1x

Tue, 20 May 2025 15:14:54 +0000

Serú Girán regresa a los escenarios y se presentará en el Festival Cordillera 2025 jlrojas Mar, 20/05/2025 - 10:14

Serú Girán regresa a los escenarios en 2025 y lo hará en grande: como uno de los headliners del Festival Cordillera 2025. La banda argentina, ícono de la música latinoamericana y referente de resistencia cultural en tiempos de dictadura, no se presentaba en vivo desde 1992, cuando reunió a más de 70.000 personas en el Estadio Monumental de Buenos Aires.

Una banda emblemática de la música latinoamericana

Formada a finales de los años 70 por Charly García, Pedro Aznar, David Lebón y Oscar Moro, Serú Girán nació en un contexto de represión, dictadura y censura en Argentina. Su música fue una respuesta poética y poderosa a la opresión del momento.

La banda logró convertir experiencias íntimas en algo universal, lo melancólico en un grito sutil de esperanza y en una época en la que hacer música podía ser un acto de subversión, Serú Girán se convirtió en esa agrupación que logró alzar la voz por aquellos que no podían hacerlo.

Canciones como Seminare, Canción de Alicia en el país, Mientras miro las nuevas olas o Cuánto tiempo más llevará no solo marcaron a toda una generación, sino que siguen siendo espejo del presente. Su sonido, una fusión de rock progresivo, jazz y canción latinoamericana, todavía conmueve, sacude y provoca.

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Festival Cordillera 2025: el regreso de Serú Girán a los escenarios

Que Serú Girán vuelva a tocar en vivo después de estar 30 años lejos de los escenarios y en un escenario como el del Festival Cordillera, que celebra lo mejor de la música iberoamericana, es mucho más que un concierto, es un momento histórico.

La última vez que Serú Girán se presentó en vivo fue en 1992, en un concierto histórico en el Estadio Monumental de Buenos Aires, ante más de 70.000 personas. Más de tres décadas después, su reencuentro con el público promete ser uno de los eventos más emocionantes del año.

Vale la pena aclarar que solo dos de los originales de Serú Girán estarán en el escenario: Pedro Aznar, David Lebón, ya que Oscar Moro falleció y Charly García tiene sus proyectos personales.

Entradas para Serú Girán en el Festival Cordillera 2025

Los combos de dos días estarán disponibles desde las 10:00 AM de este martes 20 de mayo, exclusivamente para clientes de los Bancos Aval a través de Ticketmaster.

Andrés Calamaro defiende su posición a favor de la tauromaquia luego de ser abucheado en Cali 1h2w6h

Mon, 19 May 2025 16:16:15 +0000

Andrés Calamaro defiende su posición a favor de la tauromaquia luego de ser abucheado en Cali jlrojas Lun, 19/05/2025 - 11:16

El artista argentino Andrés Calamaro se presentó el 17 de mayo en la Arena Cañaveralejo de Cali, Colombia, en el marco de su 1999 Tour. Sin embargo, el concierto terminó en polémica: ya que el músico fue abucheado por el público tras defender abiertamente la tauromaquia, lo que lo llevó a abandonar el escenario.

El gesto con una chaqueta que desató el rechazo del público

Mientras interpretaba la canción Flaca, uno de sus más grandes éxitos, hizo un gesto que simulaba una ovación de toreo, con una chaqueta roja que simulaba una muleta de torero. Fue entonces cuando el público comenzó a mostrar rechazo por su comportamiento.

Tras tirar la chaqueta al suelo, el músico afirmó: “Quiero dedicar esta canción a todos los toreros, ganaderos, banderilleros y aficionados que se quedan sin trabajo, porque votaron para eso: dejarlos en la calle”, además canceló al público también: “lo siento. Están cancelados y bloqueados. Hasta nunca”, dijo antes de retirarse del escenario.

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Calamaro respondió en redes: “No se queman libros ni se cierran bibliotecas”

Pero no terminó todo ahí, un día después, el domingo 18 de mayo, el artista publicó una imagen con la estatua de un torero y un largo texto en el que una vez más defendió su postura a favor de las corridas de toros, incluso comparó la tauromaquia con la literatura.

“No sé si los aficionados son mayoría en Colombia pero tampoco la literatura es mayoritaria y de momento no se queman libros y la biblioteca sigue abierta. Los cines claudicaron frente a las plataformas y la internet y no es algo que haya que celebrar” aseguró.

Crítica a los animalistas y defensa de los trabajadores taurinos

También mencionó que los aficionados a la tauromaquia son “decentes y educados padres de familia que jamás maltratamos animales”, a diferencia de los animalistas que según él “no saben hacer otra cosa que insultar y desear sangrientas consecuencias para quienes elegimos libremente qué hacer con nuestro tiempo”.

En el texto, Calamaro explica que dieron el recital completo, que él y su banda tocaron las 22 canciones que incluye el repertorio completo y que solamente dejó dos minutos el escenario mientras había un pasaje instrumental.

Se adentró también en temas políticos y aseveró que “Cali jamás votó ni fue a referendo para cerrar la plaza, esto ocurre con la complicidad de la ignorancia adolescente de una minoría y luego son movidas políticas para tejer alianzas y sumar una mayoría. Colombia es taurina como es musical, es tradicional, cultura, trabajo y libertad”.

Tal como lo afirma Calamaro, no es la primera vez que el artista defiende la tauromaquia, de hecho es reconocido por sus posturas conservadoras y apoyar al presidente de su país: Javier Milei. “Es posible que los aficionados seamos una minoría pero estamos en una época donde se respetan los derechos y las libertades de las minorías. Tampoco deseo abusar de la ignorancia atrevida de aquellos que no conocen vida fuera de internet y apenas si se pronuncian con palabras, hace siglos que apoyo la existencia de la tauromaquia y nunca fui increpado en la calle, ni una vez”.

Mencionó que si bien no era torero ni asesino, ni maltratador de animales, si los come a diario, incluso mencionó a Walt Disney y al nazismo. “La gastronomía tampoco es maltrato perverso, advierto si es desapego de las nazi animalista para con los ciudadanos e no favor de una fantasía incluso absurda para Walt Disney”.

“Finalmente yo solo lamenté estar en una plaza de toros sin toros, y soy solidario con la gente que se queda sin trabajo en el campo y en la plaza” enfatiza el músico.

Próximas fechas de Andrés Calamaro en Colombia

Por ahora, el público está expectante sobre los próximos shows que tiene programados Andrés Calamaro en Colombia como parte de su 1999 Tour, ya que el 23 de mayo realizará un concierto en el centro de eventos La Macarena, en Medellín, lugar que también solía ser una plaza de toros; también se presentará el 25 y 26 de mayo en Manizales, el 29 en Bogotá y el 31 en Barranquilla.

Ana y Jaime regresan a los escenarios con un concierto sinfónico en Bogotá 673f4h

Fri, 16 May 2025 16:33:55 +0000

Ana y Jaime regresan a los escenarios con un concierto sinfónico en Bogotá jlrojas Vie, 16/05/2025 - 11:33

Los clásicos de toda una generación serán protagonistas en el show que dará el icónico dúo de hermanos Ana y Jaime el próximo 17 de mayo, será un concierto sinfónico en el Teatro Jorge Eliécer Gaitán, junto a la Orquesta Sinfónica de Bogotá (FOSBO).

Canciones memorables como Décimo grado, Café y petróleo o Amor Amor, volverán a sonar, pero esta vez con arreglos distintos que incluyen violines, percusiones sinfónicas y otros instrumentos que se encargaran de vestir de gala cada uno de los éxitos de Ana y Jaime.

Será una noche para reencontrarse con la sensibilidad y la poética de aquellas canciones que marcaron a toda una generación, aquellas que nacieron en los años 70, pero que aún así no han perdido vigencia, y que ahora serán reinterpretados con nuevos matices sonoros.

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Los arreglos musicales y adaptaciones sinfónicas estuvieron a cargo de un grupo selecto de arreglistas colombianos, algunos radicados en Estados Unidos, Europa y Colombia. Wolfang Ordoñez, Daniel Velasco, Andrés Montero, Manuela E. Aguirre y Adrián Camilo Ramírez, integrantes de la FOSBO – Fundación Orquesta Sinfónica de Bogotá.

Todo el trabajo realizado para poder llevar a cabo el show Ana y Jaime Sinfónico estuvo bajo la dirección del maestro Zbigniew Zajac, colombo-polaco, director artístico y fundador de FOSBO

“Que nuestras canciones sean iluminadas, arropadas por un formato sinfónico con sonidos y arreglos que solo los académicos como ellos pueden hacer nos llena de profunda emoción. Son múltiples posibilidades y estilos con los que nuestras canciones se vestirán de gala”, menciona Jaime, emocionado por su show.

Y es que Ana y Jaime no son solo un dúo musical,son parte de la memoria emocional del país. Con apenas 16 y 17 años, se dieron a conocer en 1969 en un concurso radial promovido por Alfonso Lizarazo a través de Radio 15. Desde entonces, sus voces se convirtieron en símbolo de resistencia y sensibilidad.

El evento Ana y Jaime Sinfónico no solo marca su esperado regreso a los escenarios, sino que celebra el poder de la música para unir generaciones y transformar los recuerdos en experiencias vivas.

Ana y Jaime Sinfónico
17 de mayo – 8:00 p. m.
Teatro Jorge Eliécer Gaitán – Bogotá
Entradas aquí

Mago de Oz 171x1m Bersuit Vergarabat y más en el Concierto de la Esperanza 2025

Thu, 15 May 2025 22:04:43 +0000

Mago de Oz, Bersuit Vergarabat y más en el Concierto de la Esperanza 2025 jlrojas Jue, 15/05/2025 - 17:04

El próximo 8 de junio de 2025, la icónica Plaza de Bolívar de Bogotá será el escenario del Concierto de la Esperanza 2025, un evento gratuito organizado por RTVC Sistema de Medios Públicos que reunirá a algunas de las voces más poderosas y emblemáticas de la música iberoamericana. Desde el folk metal español de Mago de Oz hasta la fuerza crítica de Bersuit Vergarabat, pasando por leyendas como Inti Illimani, Los Van Van, Miguel Tapia de Los Prisioneros, y referentes contemporáneos como Ali A.K.A. Mind, Velandia y La Tigra, Apache, Motilonas Rap y Joseito Oviedo.

Más allá de un concierto, este evento será un manifiesto sonoro de unión, memoria y transformación.Con el lema "LATINOAMÉRICA MIGRANTE RESISTE", el Concierto de la Esperanza regresa en su sexta edición, y tercera bajo la producción de RTVC, como un espacio de reconciliación, resistencia y celebración de las múltiples identidades que atraviesan nuestro continente.

En un momento crucial para la región, la música se convierte en un puente de dignidad y esperanza, reuniendo artistas de distintas generaciones y territorios para recordarnos que el arte también es una forma de luchar y sanar.

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Artistas Concierto de la Esperanza 2025

Mago de oz

Desde España llega Mago de Oz, una de las bandas más emblemáticas del heavy metal en español. Con más de tres décadas de trayectoria, se han consolidado como pioneros del folk metal en Iberoamérica, gracias a su fusión de guitarras potentes con violines, flautas y temáticas épicas. Su gran salto a la fama llegó en 1998 con La leyenda de la Mancha, disco inspirado en Don Quijote que incluye el himno generacional Molinos de viento.

Su época dorada se extendió desde finales de los noventa hasta 2010, destacándose especialmente entre 2005 y 2006 con el lanzamiento de Gaia II: La voz dormida, segunda entrega de su ambiciosa trilogía conceptual que los catapultó al estrellato en toda Latinoamérica y Europa. En ese periodo, Mago de Oz se convirtió en referente de grandes festivales y escenarios multitudinarios.

Pese a los numerosos cambios de alineación, el espíritu de la banda sigue vivo. Actualmente, los únicos fundadores que permanecen son el carismático baterista Txus di Fellatio y el violinista Carlos Prieto “Mohamed”, quienes han sabido reinventarse sin perder la esencia mágica y combativa que define a Mago de Oz.

Inti Illimani

Inti-Illimani es una agrupación emblemática chilena formada en 1967 por estudiantes de la Universidad Técnica del Estado. Referentes fundamentales del movimiento de la Nueva Canción Chilena, su propuesta artística buscó rescatar las raíces del folclore tradicional andino y fusionarlas con sonidos latinoamericanos, siempre con un fuerte contenido social y político en sus letras.

En 1973, mientras realizaban una gira por Europa, Chile vivió un giro histórico: el golpe de Estado liderado por Augusto Pinochet en contra del gobierno de Salvador Allende. Ante la instauración de la dictadura militar, la banda se vio forzada al exilio y se radicó en Italia, desde donde continuaron difundiendo su mensaje de resistencia, memoria y dignidad.

Con más de cinco décadas de trayectoria, Inti-Illimani ha recorrido más de 58 países, llevando su música a los principales escenarios del mundo. Han compartido escena con figuras como Bruce Springsteen, Sting, Peter Gabriel, Tracy Chapman, Paco Peña, Mercedes Sosa y Silvio Rodríguez, consolidándose como un símbolo de lucha, arte y compromiso latinoamericano.

Los Van Van

Los Van Van fue fundada en 1969 en La Habana por el bajista y compositor Juan Formell, tras su paso por agrupaciones como la Orquesta Revé y la Orquesta del Instituto Cubano de Radio y Televisión. Bajo su dirección, el grupo desarrolló un sonido distintivo que marcaría un antes y un después en la música popular bailable cubana.

Pioneros en su tiempo, fue la primera banda cubana en incorporar sintetizadores a su propuesta musical. Además, Formell creó un ritmo propio: el songo, mezcla de son, jazz, funk y ritmos afrocubanos, que se convirtió en sello característico de la agrupación.

A lo largo de su trayectoria, Los Van Van ha sido cronistas musicales de la vida cotidiana en Cuba. Sus letras, cargadas de ironía y picardía, relatan con agudeza las historias del pueblo cubano. Su música ha trascendido fronteras, conquistando escenarios en el Reino Unido, Austria, Suiza, Alemania y más allá, consolidándose como una de las orquestas más influyentes de la música latina contemporánea.

Bersuit Vergarabat

Bersuit Vergarabat es una banda clave del rock argentino y latinoamericano, famosa por su mezcla de géneros como cumbia, tango, reggae y rock, y por sus letras cargadas de crítica social. Surgió a fines de los años 80 en el barrio Barracas de Buenos Aires, en pleno menemismo, con una propuesta irreverente y provocadora que pronto incomodó al poder.

Con la llegada de Gustavo Cordera como vocalista, la banda encontró su voz definitiva. Su disco Libertinaje (1998), producido por Gustavo Santaolalla, los catapultó al reconocimiento masivo con temas como Sr. Cobranza y Yo tomo, que fueron censurados pero también coreados por miles. Las pijamas en el escenario, nacidas como un acto de autenticidad, se volvieron su sello visual.

A pesar de los cambios de integrantes y la salida de Cordera en 2009, Bersuit Vergarabat siguió activa, sumando discos y giras. Su legado sigue vivo: una banda que convirtió la protesta en fiesta y la música en resistencia.

Prisioneros (Miguel Tapia)

Miguel Tapia es uno de los artistas más emblemáticos del rock en Chile. Fue miembro fundador de la icónica banda Los Prisioneros, la cual marcó a toda una generación en Latinoamérica, gracias a su crítica social directa y su poderoso sonido. Además de ser baterista y cantante, Tapia fue quien le puso el nombre a la agrupación y la impulsó desde sus orígenes en San Miguel, Santiago.

Durante los recesos del grupo, Tapia desarrolló una carrera prolífica en proyectos como Jardín Secreto, junto a Cecilia Aguayo, donde exploró sonoridades electrónicas, y en colaboraciones con Jorge González y Argenis Brito en bandas como Los Dioses y Razón Humanitaria. Más tarde, junto a Claudio Narea, formó el dúo Narea y Tapia, reafirmando su vigencia en la escena musical chilena con una propuesta cargada de historia y memoria colectiva.

Además de su trayectoria como músico, Tapia ha incursionado en el cine y en la composición de bandas sonoras, como la de Vacaciones en familia (2015). También participó en homenajes a Jorge González y fundó Travesía, grupo que fusiona rock, tecno-pop y ritmos latinoamericanos. Su legado va más allá de la batería: es una voz constante en la historia del pop-rock chileno.

Apache

Larry Rada, conocido en el mundo artístico como Apache, es uno de los raperos más representativos de Venezuela y una figura clave del Hip Hop en América Latina. Desde sus inicios en La Real Academia del Flow, ha construido una carrera marcada por letras que retratan la vida cotidiana y las problemáticas sociales de su país.

Apache ha demostrado que la constancia y la disciplina pueden convertir el rap en un camino de vida.Sus inicios en la música fueron haciendo freestyle callejero, su forma única de narrar sus vivencias lo ha convertido en uno de los MCs más auténticos del continente.

Su talento lo ha llevado a presentarse en escenarios de España, República Dominicana, Perú y Puerto Rico. Además, ha trabajado con artistas como La Etnnia y formó una dupla explosiva con Canserbero. Recientemente, se ha presentado en festivales como La Solar y en Colombia.

Alí A.K.A. Mind

Ali Rey Montoya es la mente maestra detrás de ALI a.k.a. MIND, un rapero y productor independiente nacido en Bogotá, Colombia, que encontró en el rap no solo una forma de expresarse, sino de entender el mundo. A comienzos de los 2000 fundó el grupo Capital Special y su primer canción como solista fue Vivimos en guerra.

Desde entonces, inició una prolífica carrera donde se cruzan la crudeza urbana, la poesía andina y la memoria del continente, con siete trabajos discográficos, se ha consolidado como uno de los raperos colombianos más importantes. Lejos de las disqueras, se ha vuelto un referente continental gracias a una ética de autogestión feroz.

Su obra ha tocado escenarios de Latinoamérica y Europa, pero su mayor escenario sigue siendo el barrio. Ali no busca romper rankings, busca abrir caminos, y lo ha hecho: desde playlist oficiales hasta festivales de culto, desde el anonimato hasta ser nombrado artista del año por Radiónica.

Velandia y la Tigra

El carismático guitarrista, cantante y compositor Edson Velandia, oriundo de Piedecuesta, Santander, fundó este proyecto musical en la década del 2000, el cual se caracteriza por crear una fusión innovadora que combina el rock con ritmos tradicionales de la región andina colombiana y letras cargadas de sátira, humor y crítica social.

Con un estilo irreverente y una capacidad para narrar historias de la cotidianidad desde una postura crítica, Velandia y La Tigra ha marcado una importante huella en la música colombiana. En 2009, lanzaron Superzencillo, cuyo sencillo Chuvak alcanzó gran popularidad en emisoras como Radiónica.

Edson Velandia, conocido como "El Ninja de Piedecuesta", ha incursionado en proyectos solistas, composición para cine y la creación de iniciativas culturales como el Festival de la Tigra y la biblioteca La Bellecera en su natal Piedecuesta.

Motilonas rap

Este dúo de rap está conformado por Denis Cáceres y Sol Ortega, dos jóvenes originarias de Tibú, en la región del Catatumbo, Colombia, un área fronteriza con Venezuela conocida por su compleja historia de conflicto armado, pero también por su riqueza cultural. Ambas iniciaron su trayectoria musical en 2010 con una presentación en el colegio y desde entonces siguieron por el camino de la música.

El nombre del dúo, Motilonas Rap, es un homenaje al pueblo indígena Motilón Barí, reconocido por su resistencia y lucha, reflejando la esencia guerrera y persistente que caracteriza a estas artistas, ya que a través de su música narran tanto las dificultades de su región, así como la belleza y fuerza de la misma, con el fin de desafiar los estereotipos negativos asociados con el Catatumbo.

Entre sus obras destacadas se encuentra Ishtana (2017), su primer disco, que denuncia situaciones críticas en su región y se describe como la "memoria viva" dirigida a las voces silenciadas de los campesinos.

Joseito Oviedo

Desde muy pequeño, este artista llanero, nacido en Arauca, y motivado por sus padres hizo parte de varias academias de joropo en el Departamento de Arauca, inicialmente como bailarín, pero luego se convirtió en cantautor.

Reconocido por canciones como Moneditas de a Real, Voy a brindar con la luna, Machonadas, Piel Tosta’ y Tu amor Mi amor. Actualmente está radicado en el departamento del Meta y ha visitado diferentes países del mundo como Europa, Estados Unidos, Asia, Medio Oriente, entre otros, para dejar en alto el nombre del Meta.

Una cita imperdible para los amantes de la música y la cultura

El Concierto de la Esperanza 2025 no solo es música; es también una plataforma para el diálogo, la memoria colectiva y la diversidad cultural del continente. Este evento se consolida como un referente de reconciliación y celebración de las múltiples identidades de América Latina.

La entrada es libre a partir de las 12:00 p.m., pueden ingresar personas desde los 14 años. No te pierdas esta experiencia única de arte, resistencia y esperanza.

“Las canciones cuentan” 31241 el podcast que revela los secretos de clásicos colombianos

Wed, 14 May 2025 18:53:54 +0000

“Las canciones cuentan”: el podcast que revela los secretos de clásicos colombianos jlrojas Mié, 14/05/2025 - 13:53

Un viaje sonoro a los clásicos que marcaron generaciones

La música no solo cuenta historias, también hay relatos que se esconden detrás de las canciones y esto es precisamente lo que pretende desvelar Las canciones cuentan, un podcast documental de Sony Music Colombia y La No Ficción, que, a través de diversos episodios revela los secretos mejor guardados de la música colombiana.

Esta serie sonora viaja a las entrañas de clásicos colombianos que han definido generaciones, que nos han acompañado durante décadas y que hoy en día siguen vigentes. Pero ¿cómo nacieron estas canciones? ¿qué tan absurdas o trágicas son las historias que están escondidas entre sus versos?

Estas son algunas de las preguntas que busca resolver este podcast, que más allá de la nostalgia, promete una revisión crítica y afectiva del cancionero nacional, contada con investigación sensibilidad y archivo sonoro.

Por primera vez una de las disqueras más importantes del país abre su catálogo histórico para que pueda ser explorado y compartido a profundidad y con una narrativa innovadora. El primer episodio, dedicado a uno de los clásicos del despecho: El santo cachón, está disponible en plataformas digitales desde el pasado 7 de mayo.

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Un archivo íntimo de lo que fuimos

Cada episodio de Las Canciones Cuentan se centra en una canción icónica del catálogo de Sony Music. Pero más que hacer una retrospectiva, el podcast desarma la canción para revelar lo que nunca se contó: cómo se compuso, quién la inspiró, qué secretos se escondieron en el estudio de grabación o quién no salió en los créditos y debió haber salido.

“Estamos muy orgullosos de este proyecto, único en su formato y contenido, realizado junto a La No Ficción, un socio excepcional. Revisamos a fondo nuestro catálogo, con títulos que todos hemos cantado, vivido y recordado. Además, contamos con las voces de dos narradores excepcionales: Julio César Escovar y Sara Sofía Rojas, quienes guían este viaje con profundidad y calidez”, explica Luis Lizarralde, Director de Catálogo y Sync de Sony Music Entertainment Andes y productor ejecutivo del podcast.

Episodio 01: El Santo Cachón

Para su episodio inaugural, Las canciones cuentan habla sobre el detrás de cámaras deEl Santo Cachón, el himno vallenato escrito por Romualdo Brito e interpretado por Robinson Damián con Los Embajadores Vallenatos. Una canción que no solo puso a bailar a millones, sino que redefinió la forma de narrar el desamor en Colombia.

Inspirada en el parque El Sagrado Corazón de Barranquilla —lugar de romances furtivos y secretos a voces—, la canción surgió de una pregunta sencilla: ¿Cómo se escribe un despecho alegre?. La respuesta fue una parranda inolvidable, llena de doble sentido, picardía y sonidos electrónicos que, para la época, fueron un escándalo.

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Las voces detrás de Las canciones cuentan

La serie es conducida por el periodista y locutor Julio César Escovar junto a la periodista y selectora musical de salsa Sara Sofía Rojas.

“Nos fuimos a los lugares donde nacieron las canciones. Hablamos con compositores, intérpretes, DJs, familiares, e incluso con las inspiraciones reales. Hay historias profundamente macondianas, pero también muy humanas. Esas que solo se encuentran si uno sabe escuchar”, dice Escovar.

Las Canciones Cuentan es un podcast que propone escuchar de otra manera. No con el oído de siempre, sino con el que quiere entender por qué estas canciones se quedaron a vivir con nosotros. Y cómo, al contarlas, podemos entender mejor quiénes somos como país.

Regresa el Concierto de la Esperanza 2p515h ¡LATINOAMÉRICA MIGRANTE RESISTE!

Tue, 13 May 2025 16:55:46 +0000

Regresa el Concierto de la Esperanza: ¡LATINOAMÉRICA MIGRANTE RESISTE! jlrojas Mar, 13/05/2025 - 11:55

El Concierto de la Esperanza regresa con una versión renovada que celebra la reconciliación y el poder transformador de la música. Bajo el lema LATINOAMÉRICA MIGRANTE RESISTE, diversos artistas se reunirán en la Plaza de Bolívar de Bogotá el próximo sábado 8 de junio para llevar un mensaje de unión, resistencia y futuro esperanzador.

Este evento, que llega a su sexta edición, y a la tercera realizada en RTVC Sistema de Medios Públicos, se ha consolidado como un punto de encuentro musical gratuito, cultural y popular por la transformación social, una cultura de paz y la defensa de los derechos humanos.

El Concierto de la Esperanza se ha convertido en una cita imperdible con el arte, la cultura y la paz, un evento gratuito en el que el público tendrá la oportunidad de disfrutar de agrupaciones nacionales e internacionales de primer nivel.

Además, aquellos que no puedan asistir de forma presencial al Concierto de la Esperanza el próximo 8 de junio, tendrán la oportunidad de disfrutarlo en vivo y en directo a través de Señal Colombia, las 73 frecuencias de Radio Nacional de Colombia, las 8 frecuencias de Radiónica y la plataforma gratuita de streaming RTVlay.

Con este evento, el Sistema de Medios Públicos se fortalecerá como referente global por sus productos de alto valor cultural, educativo, informativo y de entretenimiento para los colombianos.

Luego de dos ediciones del Concierto de la Esperanza realizadas por RTVC Sistema de Medios Públicos, uno en la Plaza de Bolívar y otro en Buenaventura, esta tercera edición, al igual que las anteriores. promete ser una jornada inolvidable, un testimonio de resistencia de empoderamiento por los derechos humanos y la defensa de los territorios.

Los artistas que harán parte de esta edición serán anunciados próximamente, la entrada al evento es gratis, pueden ingresar mayores de 14 años, a partir de las 12:00 p.m., .

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La historia del Concierto de la Esperanza

El Concierto de la Esperanza nació como una iniciativa para promover la paz, la inclusión y la diversidad. Su primera edición se llevó a cabo en el 2012 y contó con la participación de artistas como ManuChau, Skampida, Nawal Reggae, Alerta Kamarada, La Etnia 5-27 y La Derecha, que se unieron para cantar en pro de la educación pública, la vida y la inclusión de los pueblos indígenas en la sociedad.

En 2013 la agrupación mexicana Café Tacvba y las agrupaciones colombianas La 33, Dr Krápula, Alerta Kamarada y Hip Hop PaZur hicieron parte de la segunda edición del Concierto de la Esperanza, en esta ocasión la Plaza de Bolívar se convirtió en un espacio para defender a los animales, la naturaleza y la libertad en compañía de la música.

Un año más tarde, en 2014, y con el fin de hacerle un homenaje a Gabriel García Márquez se realizó una nueva edición con la presentación de La Severa Matacera, Bomba Estéreo, Consulado Popular, Sistemas Solar, Totó La Momposina y Calle 13. En 2015 se realizó la cuarta edición bajo el nombre Concierto por la vida, la paz y la esperanza, los artistas que se unieron fueron Piero, Victor Heredia y León Bieco.

En 2024, varios artistas de Latinoamérica se unieron a este llamado solidario, entre ellos Pato Machete y la Ronda Machetera (México), Los Rabanes (Panamá), Realidad Mental (Colombia), Desorden Público (Venezuela), King Changó (Venezuela), King Kong Click (Chile) y 2 Minutos (Argentina).

El concierto se llevó a cabo el viernes 5 de julio en la Plaza de Bolívar en Bogotá y reunió a más de 50.000 personas que a través de ritmos como el hip hop, el reggae y el ska, atendieron el llamado en contra del genocidio de Palestina.

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El pasado 7 de diciembre, se realizó el Concierto de la Esperanza en Buenaventura, el cual contó con la participación de Julian Marley, Karol Conká, Robe L Ninho, Jali Fily Cissokho, Verito Asprilla, Anddy Caicedo, Bazurto All Stars, Kombilesa Mí, Embera Warra y Nidia Góngora.

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