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Un “homenaje a la Guajira y la poética del mar” por Maripaz Jaramillo y María Fernanda Zuluaga 3n6x4y

Thu, 01 May 2025 20:51:45 +0000

Un “homenaje a la Guajira y la poética del mar” por Maripaz Jaramillo y María Fernanda Zuluaga jlrojas Jue, 01/05/2025 - 15:51

Desde el 23 de abril y hasta el 12 de mayo de 2025, la galería Baobab en la Calle de los Anticuarios de Bogotá presenta una exposición que une la obra de las artistas colombianas Maripaz Jaramillo y María Fernanda Zuluaga. Bajo el título Homenaje a la Guajira y la poética del mar, la muestra reúne dos propuestas pictóricas que dialogan con el paisaje marítimo, la memoria y la transformación personal desde lenguajes y técnicas distintas, pero complementarias.

María Fernanda Zuluaga y el mar como intervalo

Por su parte, María Fernanda Zuluaga presenta la serie Intervalo, mar de vida, un trabajo que comenzó en 2019 y que se desarrolló principalmente durante la pandemia. En este, la artista reflexiona sobre el intervalo como espacio entre la vida y la muerte, enmarcando este concepto en la metáfora del mar como origen y final.

“Durante la pandemia, la muerte era noticia diaria. Eso me llevó a pensar en el intervalo como ese espacio intermedio entre dos sucesos”, explica Zuluaga. Su propuesta se materializa principalmente en acuarelas de gran formato, elegidas por su carácter lento y meditativo, que permiten incorporar elementos flotantes como flores cosidas o pegadas al papel.

Para la artista, pintar fue una forma de ritual y contemplación. “Era como una escritura, como meditar, como un fluir”, dice. Desde ese lugar simbólico, su obra se convierte en una reflexión íntima y filosófica sobre la existencia, el duelo y los ciclos de la naturaleza.

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Maripaz Jaramillo y la Guajira como fuerza vital

En su serie Naio, fuerza de la tierra, la reconocida artista Maripaz Jaramillo explora la riqueza visual y emocional de la Guajira, un territorio que la cautivó durante un reciente viaje a Palomino, por el contraste entre el desierto, los ríos y el mar embravecido, lo cual despertó una nueva serie de pinturas vibrantes, cargadas de color y energía.

“He pintado el Pacífico, el Atlántico, Cartagena, Barranquilla, Santa Marta… pero me faltaba la Guajira. Al volver, me embrujó”, cuenta la artista, quien trabajó bajo la técnica acrílico sobre lienzo para lograr darle vida a los colores intensos que caracterizan su obra.

Inspirada también por las escenas románticas que observó entre turistas que visitaban la región, Jaramillo pintó parejas que se abrazan y se besan. “Por eso hay tanto amor en esta serie”, afirma. Además de las pinturas, la artista incluye esculturas que amplían su universo visual a la tercera dimensión.

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Un diálogo artístico sobre el mar y el territorio

Aunque sus propuestas parten de búsquedas personales diferentes, ambas artistas encuentran un punto de convergencia en el mar como símbolo. Mientras Jaramillo celebra la vitalidad de la Guajira y sus contrastes culturales y naturales, Zuluaga se sumerge en una dimensión introspectiva, vinculada con la memoria y la transformación interior.

“Me parece bellísimo que María Fernanda también trabaje sobre el mar”, dice Jaramillo. “Desde distintos ángulos, estamos hablando de lo mismo”.

La exposición estará abierta de lunes a sábado en la galería Baobab de Bogotá (Calle 79B #7-88), hasta el 12 de mayo. Es una oportunidad única para apreciar dos miradas del arte contemporáneo colombiano que, desde diferentes sensibilidades, invitan a contemplar el mar como territorio, emoción y metáfora.

Leonardo Da Vinci 1w4967 el artista e inventor que sorprendió al mundo

Wed, 23 Oct 2024 00:01:27 +0000

Leonardo Da Vinci, el artista e inventor que sorprendió al mundo djauregui Mar, 22/10/2024 - 19:01

Artista, inventor, escultor, científico, arquitecto, ingeniero, astrónomo, y hasta pseudo personaje de la ficción en el cine y la televisión son algunos de los títulos que cobijan a Leonardo Da Vinci, uno de los personajes de la historia que se ha convertido en una figura de ejemplo para la humanidad en occidente.

Leonardo da Vinci nació el 15 de abril de 1452 y falleció en Francia, el 2 de mayo de 1519, y fue un destacado renacentista multidisciplinar que encarna el ideal del hombre del Renacimiento: un sabio versado en multitud de disciplinas, que iban desde las disciplinas artísticas hasta experticia en el conocimiento científico.

Aunque incursionó en el invento de todo tipo de dispositivos como el paracaídas, una máquina voladora o hasta un tanque de guerra, su legado más universal y conocido está en el campo de la pintura, con obras de máxima importancia para la historia del arte occidental como La última cena, La Gioconda o Mona Lisa, las cuales han pasado a la historia como infaltables en las colecciones más importantes del planeta, como el museo del Louvre de París.

¿Qué fue lo que hizo famoso a Leonardo da Vinci?

Leonardo da Vinci es por antonomasia el gran artista del Renacimiento, considerado prácticamente, de acuerdo con la National Geographic el modelo del uomo universale (hombre de espíritu universal), pero fue también un genio científico, por lo cual también es conocido uno de los genios más destacados de la historia junto con personajes como Albert Einstein.

Es posiblemente el humano conocido con el mayor número de talentos en múltiples disciplinas que jamás ha existido.

Aparte de su obra artística, Da Vinci se dedicó a la observación rigurosa, la experimentación y la formulación exacta de principios generales a partir de la experiencia empírica, muchas de ellas consignadas en miles de páginas de sus cuadernos de notas recuperados y consideradas evidencias de que fue un adelantado a su tiempo.

De acuerdo con la prestigiosa publicación National Geographic, en la actualidad se conservan más de seis mil páginas de los cuadernos de Leonardo, los cuales contienen miles de dibujos y gráficos acompañados de textos deliberadamente crípticos; como aquellos que están escritos de derecha a izquierda, de forma tal que para comprenderlos hay que leerlos con un espejo.

Estos detalles, además, lo han dotado de un halo de misticismo que ha sido explotado por obras de ficción como la saga de libros y películas conocida como El código Da Vinci de Dan Brown.

Inventos renacimiento y ánimos científicos, el lado B de Leonardo Da Vinci

Leonardo Da Vinci dejó numerosos tratados que abarcan todo tipo de disciplinas: desde las matemáticas a la anatomía, así como algunos de los inventos más destacados del renacimiento.

En estos tratados se recogen algunos trabajos científicos en campos como la óptica, la acústica, la mecánica, la dinámica de fluidos, la geología, la botánica, la biología humana y la fisiología.

Realizó también estudios sobre el dinamismo y la forma, en los cuales hizo alarde de su sorprendente capacidad para observar en profundidad y dibujar sus observaciones con magnífica precisión, lo cual continúa sorprendiendo en la actualidad por sus numerosos detalles y por su uso de perspectivas múltiples.

De acuerdo con la publicación estadounidense antes mencionada, Da Vinci anticipó la dinámica de fluidos, siendo el primero en analizar y describir detalladamente la dinámica de los vórtices de agua.

Su genio es absolutamente sorprendente. Más de cuatrocientos años antes de que su las obras de Leonardo da Vinci fuera redescubiertas por los estudiosos, el autor estableció los principios básicos de la dendrocronología, es decir, el uso de los anillos de crecimiento de los árboles para determinar su edad, así como las variaciones climáticas que ha experimentado la naturaleza a lo largo de su existencia.

También describió correctamente el proceso de erosión, sedimentación y acumulación que hoy los geólogos conocen como el ciclo de las rocas.

¿Cómo era el arte de Leonardo Da Vinci?

La fama de da Vinci ha reposado principalmente sobre sus creaciones como pintor, pues muchas de sus obras conocidas son consideradas grandes obras maestras del patrimonio universal.

Sus célebres pinturas no sólo han sido estudiadas a profundidad, sino que han sido copiadas e imitadas por maestros y estudiantes, y también han sido el centro de controversias.

Entre las cualidades del arte de Leonardo Da Vinci destacan las técnicas pictóricas innovadoras que empleó, así como el sentido de la composición y el uso de los esfumados de colores, así como la aplicación del profundo conocimiento de la anatomía humana y animal, de la botánica y la geología en sus producciones.

También destaca de su obra artística la utilización que hacía de la luz, y el interés por la fisonomía, la capacidad de reflejar la forma en que los humanos utilizan el registro de las emociones y las expresiones gestuales.

Fue famoso por el desarrollo de la técnica del esfumado (del italiano sfumato) y la combinación de sombras y luces, cualidades que aparecen reunidas en obras como La Gioconda, La Última Cena, entre otras.

¿Por qué es tan importante la Mona Lisa?

La Mona Lisa, o La Gioconda es la obra maestra de Leonardo Da Vinci, tanto por su calidad técnica, pero también por los enigmas que envuelven a esta obra.

Entre los enigmas que esconde la pintura Mona Lisa ( una de las más estudiadas en la Historia del Arte) están la verdadera identidad de la mujer retratada, o incluso que la pintura exhibida en el museo de Louvre no es la original de Da Vinci.

Para su creación, Da Vinci usó su innovadora técnica del sfumato, y se dice que se trata del retrato de Lisa Gherardini, esposa de sco del Giocondo. Se trata de un óleo sobre tabla, de 77 por 53 centímetros y es sin duda alguna una obra icónica en la historia del arte.

Lisa Gherardini era esposa del mercader sco del Giocondo, de quien los investigadores han concluído que pudo encargar el cuadro con motivo del traslado de la familia a su nueva vivienda, o tal vez luego del nacimiento de su segundo hijo, en 1502.

La calidad de la obra radica, en palabras del arquitecto y pintor renacentista Georgio Vasari, en su verismo, en su proximidad a la realidad y en su carácter mimético.

Así, la vivacidad de la figura retratada por da Vinci tiene mucho que ver con la técnica empleada por el maestro italiano, basada en el sfumato que reduce el peso del dibujo, difumina los contornos, funde las sombras y genera una apariencia de objetos poco definidos, casi borrosos o desenfocados, fruto del aire que existe entre el observador y el observado.

Como si fuera poco, la obra fue robada del Louvre en 1911, y los investigadores concluyeron en un principio que el ladrón era un enajenado que se había enamorado de la representada. Tras este hecho se disparó la fama de La Gioconda, la cual volvió al Louvre en 1914.

La Mona Lisa se convirtió así en un genuino icono popular, pues ha sido reproducido hasta la saciedad, como parte de homenajes o simplemente porque es una representación de la genialidad en la pintura de Leonardo Da Vinci, incluso por artistas contemporáneos como Léger, Duchamp, Andy Warhol, Salvador Dalí, Fernando Botero, o incluso Banksy.

¿Qué inventó Leonardo Da Vinci?

Leonardo demostró desde muy joven un gran interés por entender las leyes de la naturaleza y su aplicación en la creación de máquinas y artefactos.

Así, diseñó o mejoró una gran cantidad de artilugios, desde máquinas de guerra hasta objetos de uso cotidiano e incluso artefactos que en aquel tiempo fueron imposibles de desarrollar por completo, como por ejemplo máquinas voladoras, automóviles o trajes submarinos.

La colección más completa que se conserva de sus inventos es el Códice Atlántico, cuya edición original se conserva en la Biblioteca Ambrosiana de Milán y consta de 1751 dibujos.

Muchos de sus inventos fueron de uso bélico, pues en la Italia del Renacimiento las guerras eran constantes y las máquinas que proponía podían suponer una ventaja muy importante para sus poseedores.

Su máquina de guerra más famosa es el vehículo blindado, a menudo llamado “el tanque de Leonardo”, pero no llegó a usarse por su escasa maniobrabilidad.

Desarrolló también una batería de 33 cañones distribuidos en tres filas de once, que permitía disparar constantemente mientras los cañones disparados se enfriaban y los siguientes eran recargados. Diseñó máquinas tanto terrestres como acuáticas, así como versiones a gran tamaño de armas de mano como la ballesta para destruir las murallas que protegían las ciudades.

Da Vinci también diseñó mecanismos para automatizar algunas tareas, como cortar la leña, batir metales o moler cereales. Una de las más célebres es la grúa giratoria, con la cual se podían elevar objetos pesados en labores como la construcción.

También diseñó, entre otras máquinas, una draga para retirar el fango de los canales y una caja de velocidades con engranajes de distintos tamaños, considerada por algunos como el primer cambio de marchas de la historia.

Estuvo obsesionado con los transportes aéreos. De hecho uno de sus más famosos diseños fue el ornitóptero, una máquina que al menos en el papel era completamente maniobrable, y que se podría complementar con su diseño de paracaídas con forma piramidal y una hélice voladora, los cuales nunca llegó a construir.

Como si fuera poco desarrolló un equipo de buceo, un traje equipado con tubos que permitían moverse debajo del agua.

¿Cuáles fueron las obras más importantes de Leonardo da Vinci?

Aparte de la Mona Lisa, algunas de las obras más famosas de Leonardo Da Vinci son:

Hombre vitruviano

Leonardo creó el llamado Hombre vitruviano, un dibujo en tinta sobre papel de dos figuras masculinas superpuestas con brazos y piernas separadas dentro de un círculo y un cuadrado.

Es considerado un estudio de las proporciones y una perfecta yuxtaposición entre ciencia y arte, así como uno de los trabajos más significativos del genio.

La Belle Ferronière

La Belle Ferronière es un óleo sobre madera que representa a una mujer desconocida, hija o esposa de un herrero. Esta pintura es uno de los cuatro famosos retratos que hizo el pintor: la Mona Lisa, Dama con armiño y Givevra de' Benci.

La última cena

La última cena es una pintura mural ejecutada por Da Vinci entre los años 1493 y 1498, y se encuentra en la pared del comedor del Convento de Santa Maria Delle Grazie en Milán.

Debido a que el artista mezcló las técnicas del temple y el óleo sobre capas de yeso en un enlucido la durabilidad de la obra fue comprometida y se considera un privilegio que hoy en día todavía se conserva.

Salvator mundi

Salvator mundi es un óleo sobre tela supuestamente destinado al Rey Luís XII de Francia y a su consorte Ana, la duquesa de Bretaña.

Entre 1763 hasta 190, la pintura estuvo desaparecida, pero fue encontrada nuevamente, restaurada y atribuida a Leonardo. Sin embargo, algunos estudiosos sostienen que tal atribución es errada.

La obra fue rescatada en muy mal estado en un lote de una subasta inmobiliaria en Louisiana en 2005, y los compradores la hicieron recuperar y anunciaron que se trataba de un Leonardo perdido, lo cual obtuvo respaldo de algunos de los expertos en el mítico artista.

Se trata, además, de la obra de arte más cara de la historia, pues fue adquirida en 2013 por Dmitry Rybolovlev, quien pagó 127 millones de dólares por ella.

La Virgen y el niño con Santa Ana

Pintada en óleo sobre madera, La Virgen y el Niño con Santa Ana representa tres figuras bíblicas: Santa Ana, madre de María, la Virgen y Jesús en su infancia, quien sostiene en su mano un cordero.

Las figuras están representadas en forma piramidal frente a un fondo rocoso y poco definido.

La anunciación

La anunciación es un cuadro al óleo sobre madera que fue atribuido inicialmente a Domenico Ghirlandaio, pintor contemporáneo a Leonardo e igualmente aprendiz en el taller de Verrocchio.

La escena representa el episodio del Nuevo Testamento en que un ángel visita a la Virgen para decirle que dará a luz al hijo de Dios.

ArtBo 2024 6w6s4w Dos décadas de arte contemporáneo

Wed, 25 Sep 2024 00:49:47 +0000

ArtBo 2024: Dos décadas de arte contemporáneo afcastellanos Mar, 24/09/2024 - 19:49

La vigésima edición de ArtBo, la Feria Internacional de Arte de Bogotá, se realizará del 26 al 29 de septiembre de 2024 en Ágora Bogotá, Centro de Convenciones. Galerías nacionales e internacionales, artistas, amantes del arte y público en general se reunirán en este lugar donde se dispondrán 100 espacios para celebrar las artes visuales, el diseño y el libro como forma de arte.

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Durante 20 años, el programa ha jugado un papel crucial en el desarrollo económico y cultural de la capital colombiana, promoviendo la profesionalización y el crecimiento de artistas y curadores de la región.

Este año, el evento contará con la presencia de importantes países de latinoamérica como lo son Argentina, Brasil, Cuba, Chile, Panamá y República Dominicana, así como las galerías europeas de Alemania, España, Estados Unidos y Francia.

Entre los más destacadas encontramos a:

Ruth Benzacar (Argentina): 50 años de trayectoria, presentará una propuesta innovadora que explora una apropiación queer de la imaginería barroca latinoamericana.
Aninat (Chile): ofrecerá un espacio para el debate y la reflexión sobre el arte contemporáneo y los nuevos medios.
Klemm’s (Alemania) y 193 Gallery (París): aportarán una visión global con propuestas que conectan con identidades emergentes y escenas diversas.

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Colombia estará representada por el Instituto de Visión, que exhibirá proyectos artísticos que exploran conocimientos ancestrales relacionados con la botánica y la cosmogonía.

Conoce los participantes nacionales de la ArtBo 2024

Adrián Ibáñez Galería
Beatriz Esguerra Arte
Casa Hoffmann
Casa Zirio
Casas Riegner
Doce Cero Cero - 12:00 -
Espacio Continuo
Espacio El Dorado
Galería El Museo
Galería Elvira Moreno
Galería La Cometa
Galería Sextante
Instituto de Visión
La Balsa Arte
LGM Galería
Mmaison Galería
Montenegro Art Projects - MAP
Mor Charpentier
Nueveochenta
Otros 360°
Policroma (Medellín)
Salón Comunal
SGR Galería
SKETCH

Conoce los artistas internacionales de la ArtBo 2024

AM Galería (Brasil)
Aninat Galería (Chile)
Central Galeria (Brasil)
Henrique Faria New York (Estados Unidos)
Hutchinson Modern & Contemporary (Estados Unidos)
Klemm’s (Alemania)
Leon Tovar Gallery (Estados Unidos)
Lucy García Gallery (República Dominicana)
NG Art Gallery (Panamá)
NORDÉS (España)
RoFa Projects (Estados Unidos)
Rolf Art (Argentina)
Ruth Benzacar (Argentina)
Vermelho (Brasil)
193 Gallery (Francia)

Homenaje a David Manzur

Por primera vez, la feria le rendirá un homenaje a la trayectoria del artista colombiano David Manzur, que celebra sus 70 años de carrera y 95 de edad, con la exposición de 8 piezas de gran y mediano formato.

Se trata de un espacio al que llamó El Pasado es Presente con el que busca resaltar las posibilidades que la pintura figurativa sigue dándole a los artistas.

Una de las razones del maestro Manzur de elegir obras de su última colección para esta muestra es animar a los más jóvenes artistas con proclividad hacia el dibujo y la pintura a seguir un camino profesional en el Arte: “es muy importante la tesis de que a los grandes maestros del pasado siempre les faltó algo y que un joven artista puede retomar de lo que dejaron y continuarlo”, mencionó.

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"Extramuros" 5u5q3p el nuevo programa que conecta arte y cultura

Fri, 13 Sep 2024 18:14:39 +0000

"Extramuros", el nuevo programa que conecta arte y cultura djauregui Vie, 13/09/2024 - 13:14

A partir del viernes 13 de septiembre llega a la pantalla de Señal Colombia, Extramuros, una nueva apuesta televisiva que busca acercar el arte colombiano a todos los rincones del país.

Esta nueva producción se perfila como un espacio innovador en el género de entrevistas y reportajes culturales, liderado por Salvador Arbeláez Jaramillo, un destacado registrador audiovisual con más de una década de experiencia en la escena de las artes plásticas en Colombia.

A través de su lente, el programa llevará a las pantallas de los colombianos las historias, las voces y las experiencias de artistas y comunidades diversas, creando un puente cultural que trasciende fronteras.

Extramuros se emitirá todos los viernes por la pantalla de Señal Colombia, y contará inicialmente con 12 capítulos que buscan fomentar el diálogo, la reflexión y la conexión entre los ciudadanos, fortaleciendo el sentido de identidad y pertenencia cultural en todas las regiones de Colombia.

El programa, además, cuenta con el respaldo de un equipo de expertos y la colaboración de figuras prominentes del arte nacional, y busca ser más que una simple ventana al arte; es una herramienta de reconciliación, educación y preservación de la memoria histórica del país.

Extramuros se apoya en una amplia red de colaboradores de instituciones culturales de renombre para ofrecer una representación auténtica y accesible del panorama artístico colombiano.

No te pierdas por Señal Colombia, después de Noches de Opinión, el estreno de Extramuros, una oportunidad única para vivir la cultura a través de una antología audiovisual del arte en Colombia.

Fernando Botero 1r6n1c el artista de los pesos pesados

Wed, 11 Sep 2024 16:37:36 +0000

Fernando Botero, el artista de los pesos pesados

Imágenes: Colprensa

djauregui Mié, 11/09/2024 - 11:37

¿Quién fue Fernando Botero?

Fernando Botero es uno de los colombianos más universales, más exhibidos, cuyas obras voluminosas son inconfundibles. Botero murió rodeado de sus hijos y sus nietos, cuatro meses después del fallecimiento de la artista plástica Sophia Vari, quien falleció el 5 de mayo de 2023.

Nacido el 19 de abril de 1932 en Medellín, en un hogar humilde, Botero fue el segundo de tres hermanos que perdieron a su padre cuando aún eran infantes, por lo que tuvieron que dejar los juegos para apoyar con trabajo a la economía del hogar, la cual se sostenía con arreglos y costuras de Flora Angulo, su madre.

Con apenas 15 años le vendió un dibujo a un vecino, lo que sería el presagio del hombre que décadas después vendería sus obras por millones de dólares, todas con un sello inconfundible que hicieron famosa su expresión artística: seres orgánicos dotados de gran volumen, coloridos, y muchas veces relacionados con la realidad del país.

En sus obras están inmortalizados toreros, trabajadoras sexuales, campesinos, sacerdotes de distantes épocas, personajes de la vida nacional, todos expuestos en museos y calles de países como Estados Unidos, Japón, México, Italia, Alemania, España y Francia, entre muchos otros.

Algunos de sus cuadros también fueron contestatarios con respecto al contexto internacional, como el conjunto de 45 piezas que revelaron los vejámenes cometidos por los militares estadounidenses en la cárcel de Abu Ghraib, obra que despertó los elogios de muchos y las críticas de sectores conservadores que consideraron su obra como “antiamericana”.

Botero empezó su camino hacia la fama cuando apenas era un adolescente. Publicó sus primeras ilustraciones en la revista dominical del diario El Colombiano, y a los 19 años partió hacia Bogotá con el propósito de hacerse una carrera como artista plástico.

Para 1952 ganó el Premio Nacional de pintura y usó el dinero del galardón para viajar a Europa en un barco. Pese a ello, destacan sus biógrafos, Botero nunca dejó su acento antioqueño, y en sus cuadros siempre estuvo presente la Colombia de su infancia, los personajes tristes del país, así como la violencia que ha inundado de sangre la historia de Colombia.

Sin embargo, la gran revelación para Botero, lo que lo llevaría a la cima del arte internacional llegó en 1956, mientras dibujaba un boceto de una mandolina de trazos carnosos y con un orificio pequeño, lo que le dio la dimensión al volumen que se convirtió en su sello.

"Mi talento fue haberme dado cuenta de lo que había sucedido ahí, que era importante para mí", aseguró el artista sobre aquel momento, al director de cine canadiense Don Millar, quien realizó un documental que tituló Botero.

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Pero fue hasta la década de 1970 que las puertas del ámbito artístico internacional se abrieron para Botero cuando Dietrich Malov, el director del Museo Alemán, llevó a Berlín su obra para exponerla. Fue en ese momento que la obra de Fernando Botero alcanzó la fama internacional.

La extensa obra de Botero está en manos suyas, de marchantes, de coleccionistas y muchos de sus cuadros, avaluados en millones de dólares. En marzo de 2022 fue noticia que una de sus obras, titulada Hombre a caballo fue subastada en Sotheby 's en la cuantiosa cifra de 4,3 millones de dólares, cerca de 17 mil millones a cambio de 2023.

Hombre a caballo es, entonces, tal vez la obra más importante de Botero en términos económicos.

Este artista antioqueño, además, se caracterizó por su aporte a Medellín y al país.

El aporte de Botero a Medellín y a Colombia

Siete óleos, un pastel y dos acuarelas, fue la primera donación que Fernando Botero le hizo al Museo de Antioquia, pero no fue la única, ni la más importante que le hizo al país.

En el 2000, Botero donó al Museo de Antioquia 116 piezas, de ellas 23 esculturas monumentales que se instalaron en el parque que antecede al museo, en el corazón de Medellín. Además de 32 obras de artistas internacionales que estaban en su colección privada.

Meses después, como si fuera poco, Botero donó al Banco de la República 208 obras, 123 suyas y 85 de artistas extranjeros. Frente al tamaño de la colección, el Banco Central abrió el Museo Botero, en el centro de Bogotá, de entrada libre y en el cual dejó ya no sólo su huella como artista, sino también como promotor del arte en el país.

El museo se ha posicionado desde entonces como un lugar para conocer el arte contemporáneo en medio del ambiente colonial del centro histórico de la capital.

“Para mí es un placer infinito saber que estas obras pertenecen hoy a Colombia, saber que los estudiantes que ingresen a esta casa, entrarán en o con las corrientes artísticas más importantes de nuestro tiempo, contemplando aquí permanentemente, obras originales de grandes maestros; saber que los amantes de la pintura y la escultura puedan venir a visitar este remanso de paz y pasearse tranquilamente por estas salas, dejándose inundar por la estética moderna”, dijo Botero en su momento.

En 2004 el reconocido artista también donó cerca de 40 óleos al Museo Nacional con algunos de sus más recientes trabajos, obras que buscaban reflejar la realidad del conflicto colombiano con la mirada propia de su arte.

La paloma de la paz, una obra con intensidad humana

La hermosa estatua de la paloma de la paz fue entregada por Botero como muestra de apoyo al proceso de paz con las FARC durante el Gobierno Santos en 2016.

"Con la escultura 'La paloma de la paz' me uno a este proceso trascendental de la paz en Colombia. Quise hacerle este regalo a mi país para expresar mi apoyo y mi solidaridad con este proceso que les brindará un futuro de esperanza e ilusión a todos los colombianos. ¡Enhorabuena por Colombia!", explicó el maestro.

La Paloma de la Paz mide 70 centímetros de altura, es blanca, con el pico dorado y regordeta, como toda su obra.

Esta historia está manchada por el odio, y de nuevo por la reconciliación, pues durante el Gobierno de Iván Duque fue retirada de Palacio, tal vez por el desprecio de aquel gobierno hacia las intenciones de paz del país, pero fue vuelta a instalar en el inicio del Gobierno de Gustavo Petro.

Fernando Botero es un nombre imborrable en la historia del país no sólo por su aporte a la historia de las artes plásticas en Colombia, sino también por su forma de retratar y ayudar desde su disciplina a mejorar las condiciones de existencia de los colombianos.

Señal Colombia celebra su vida y su obra.

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*Con información de Colprensa.

Fallecimiento

Fernando Botero, considerado el más destacado artista plástico colombiano, murió el viernes 15 de septiembre de 2023 en Montecarlo, Mónaco, donde vivía desde hace décadas.

El país y la industria de las artes plásticas colombianas amanecieron de luto, el sábado 16 con la noticia, pues no sólo se trataba de un destacado artista colombiano, sino de un hombre que expandió las fronteras simbólicas del país a través de su expresión artística, caracterizada por el manejo del volumen en la pintura y la escultura.

Tal es su importancia que Medellín declaró, tras conocerse su fallecimiento, siete días de luto. Allí, en su ciudad natal, y donde en diversas plazas públicas reposan sus obras, se programaron diferentes actos de homenaje, tanto en la Plaza Botero, creada para la exhibición gratuita en el centro de Medellín, como en diversos lugares de la capital antioqueña.

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Distintos personajes del país, como el presidente de la República, Gustavo Petro y los expresidentes Juan Manuel Santos y Álvaro Uribe lamentaron hoy el fallecimiento del pintor colombiano Fernando Botero a los 91 años.

“Lamentamos profundamente la muerte del maestro Botero, un grande del arte, de la cultura, pero un grande también por su amor por Medellín, por su amor por Colombia, por su amor por Latinoamérica. Su obra, su vida, su legado quedará plasmado en esta ciudad a la que él amó tanto y en la que dejó tantas obras. Rendiremos homenaje en Plaza Botero y en los diversos lugares de la ciudad donde su obra hoy está plasmada y donde vivirá para siempre. Muchas gracias, maestro Botero”, expresó el alcalde de Medellín, Daniel Quintero Calle.

El presidente de la República, Gustavo Petro, así como la vicepresidenta Francia Márquez también lamentaron la partida del artista. “Ha muerto Fernando Botero, el pintor de nuestras tradiciones y defectos, el pintor de nuestras virtudes. El pintor de nuestra violencia y de la paz. De la paloma mil veces desechada y mil veces puesta en su trono”, dijo el Presidente de la República Gustavo Petro.

Fallece James Earl Jones 383za la icónica voz de Darth Vader y Mufasa

Mon, 09 Sep 2024 22:48:12 +0000

Fallece James Earl Jones, la icónica voz de Darth Vader y Mufasa pgarcia Lun, 09/09/2024 - 17:48

Muchos lo recuerdan por dar voz a Darth Vader en la saga de Star Wars o por interpretar a Mufasa en las películas de El Rey León, pero James Earl Jones es uno de los pocos artistas en obtener el estatus EGOT, que significa haber alcanzado premios Emmy, Grammy, Óscar y Tony. Aquí te contamos cómo James Earl Jones pasó de ser un niño tartamudo a una de las voces más potentes y uno de los grandes talentos del cine, la televisión y el teatro.

James Earl Jones pasó de ser un niño tartamudo a una de las grandes voces del cine

Nació en Arkabutla, Mississippi, en 1931. Su padre, Robert Earl Jones, quien fue boxeador y actor con más de 20 películas en su filmografía, abandonó a su familia antes de que James naciera y debido a las consecuencias económicas de este abandono, tuvieron que mudarse a Michigan cuando este tenía 5 años de edad. Como resultado del cambio de ambiente, James Earl Jones sufrió un trastorno que le hizo tartamudear y tener miedo a hablar en público. Toda su primaria pasó mayormente en silencio, hasta que al llegar a la secundaria, uno de sus profesores le ayudó a superar el miedo a hablar y también el tartamudeo, haciéndolo leer poemas en voz alta. Sin que el profesor lo supiera, logró además regalarle al mundo una de las voces más potentes y reconocidas de la cultura pop y de la historia del cine.

Sabiendo que quería dedicarse a la actuación, estudió arte dramático en la Universidad de Michigan y se trasladó a Nueva York. Debutó en 1958 en Broadway. Su primera aparición fue en el Cort Theatre, ahora llamado James Earl Jones Theatre. Tuvo una larga carrera teatral en la que interpretó algunos de los papeles principales de Shakespeare, como Hamlet, Macbeth, El rey Lear y Otelo. También, narró varios documentales, entre ellos el famoso ‘Malcolm X’ de 1972 hasta ser la voz que dice “This is CNN” en este famoso canal de noticias.

De las tablas al cine, detrás de la voz de James Earl Jones

En 1964 tuvo su primera aparición en el cine, bajo la dirección de Stanley Kubrick, interpretando a Lt. Lothar Zogg en la película 'Dr. Strangelov'. Desde allí su carrera nunca se detuvo, trabajando tanto en cine, como en teatro y en la actuación de voces. En 1967 interpretó al boxeador Jack Johnson en la producción teatral de “The Great White Hope”, por la que obtuvo su primer premio Tony. En 1970 participó en la adaptación cinematográfica de esta obra y fue nominado al Premio Óscar, convirtiéndose en el segundo afroamericano nominado, el primero fue Sidney Poitier.

En 1977 recibió la oferta que cambiaría su carrera convirtiéndolo en la voz de uno de los villanos más famosos de la historia: Darth Vader. George Lucas, director de la cinta, decía que el actor David Prowse, quien interpretó al Sith, no tenía el acento y la voz que buscaba para darle esa esencia de poder al personaje y fue así como Jones obtuvo el papel de la voz y actuó los diálogos en post producción, por esta primera película su salario fue sólo de 7 mil dólares.

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Otra de sus grandes interpretaciones fue la de Mufasa en la primera entrega de El Rey León y posteriormente en el live action estrenado en el 2019, siendo el único miembro del reparto de la película animada que repetiría su papel.

Jones obtuvo tres premios Tony, dos Emmy, un Grammy, un Globo de Oro, un Óscar honorífico y muchos premios más, siendo estos algunos de los más memorables.

Este 9 de septiembre de 2024 James Earl Jones falleció en su casa en Nueva York. Su agente mencionó que el actor padecía de diabetes pero no hay declaraciones sobre las causas del deceso.

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¿Qué ha retrasado la expansión del rap colombiano? 3z136n

Wed, 14 Aug 2024 21:46:59 +0000

¿Qué ha retrasado la expansión del rap colombiano?

Garo, protagonista del documental 'Modelo Estéreo'

djauregui Mié, 14/08/2024 - 16:46

A pesar de que la escena rapera en Colombia y el rap colombiano tiene cientos de miles de adeptos en sus filas, y aunque como comunidad y movimiento han demostrado unión, no deja de existir una división entre sus seguidores que no ha permitido al género despegar en todas sus posibilidades: la discusión sobre el contenido de las letras en las canciones.

La pregunta frente al tema sería ¿es esa una discusión productiva, o ha sido ese el talón de Aquiles del hip hop colombiano?

El Hip Hop es un género musical que trasciende los sonidos en los altoparlantes en forma de música rap y los códigos de vestimenta de sus seguidores. En su forma más compleja se trata de un movimiento social con códigos éticos y de comportamiento particulares que forjan la identidad de quienes lo escuchan, y más allá de que a unos les pegue más o no la onda cultural que propone, lo cierto es que como género musical tiene un músculo que en Colombia no ha sido explotado, y que bien podría convertirse en una industria de la que muchos podrían beneficiarse.

Sin embargo, a pesar de sus posibilidades, el rap colombiano se debate constantemente en asuntos que no son propios del movimiento: que si las letras son o no demasiado hardcore (fuertes, realistas) o que quienes se avientan al mundo con sonidos nuevos y líricas alternativas que no dan cuenta de las realidades no merecen el título de raperos. En dicha dicotomía se ha debatido si agrupaciones como Crack Family, Todo copas, Los Nandez entre muchas otras hacen más mal que bien al movimiento, pues el contenido podría resultar como apología al delito. Esta visión, sin embargo, es más una cuestión de interpretación, y no en todos los casos las críticas tienen un sustento real.

Rap Colombiano, en constante crecimiento

La 'cultura hip hop' propone valores considerados positivos por la sociedad (colaboración, creatividad, comprensión, expresividad), sin embargo, la imagen que los medios de comunicación trasladan sobre el hip hop corresponde a un estereotipo negativo –y en cierto modo discriminatorio– de las comunidades de hiphopers. La información que los medios de comunicación ofrecen sobre el hip hop es, pues, parcial (Reyes y El Chojin, 2010), contribuyendo a divulgar los elementos relacionados más con la estética de la «cultura hip hop» que con otras de sus características identitarias (como, por ejemplo, la fraternidad, el afán de superación o la honestidad), que son muy valoradas por las personas que se reconocen como pertenecientes a la «cultura hip hop». Se puede decir que, en general, la idea que la sociedad adulta tiene sobre el hip hop es negativa. Este hecho moldea, afecta y estigmatiza la construcción social de este movimiento y de las personas que lo siguen”, afirman Alberto Rodríguez Álvarez y Lucía Iglesias Da Cunha en el estudio La cultura Hip Hop: revisión de sus posibilidades como herramienta educativa, de la Universidad de Salamanca, España.

En contraparte, también están quienes no están de acuerdo en que los contenidos realistas son un problema, sino que es la educación en casa y toda una serie de factores adicionales los que empujan a la delincuencia y no un género musical (pues asumen el rol de cronistas de algunos sectores de la sociedad), y consideran que la esencia del rap se altera en su o con otros ritmos o en consonancia con temáticas como el amor, la cotidianidad menos problemática o enfocada en una suerte de conciencia de reivindicación de los menos favorecidos para “llevarlos por el camino del bien”.

Con respecto a las dos posturas, además, hay quienes no están de acuerdo con asumir ninguna de las dos posiciones y disfrutan tanto uno como el otro estilo de rap, pues más allá de la discusión, se trata de manifestaciones musicales, y “al que le gusta le sabe”. En Estados Unidos, por ejemplo, la cuna por excelencia tanto del movimiento como del género, los artistas y el público se han enfrascado menos en discusiones fútiles y más en llevar el género hacia otras fronteras, y sí que ha dado buenos resultados, como podemos ver por sus cifras económicas.

Al revisarlas, es inevitable pensar en las posibilidades que la expansión de este género urbano, que siendo tan popular podría desencadenar en la expansión de todo un sector productivo del que se podrían beneficiar muchísimos jóvenes de diferentes procedencias socioeconómicas, y podrían convertirse en una verdadera opción como forma de salir adelante, y menos un estilo que genera rechazo entre los demás ciudadanos.

Así, por ejemplo, el proceso de resocialización de Garo, el protagonista del documental 'Modelo estéreo' (2017), coproducido por Señal Colombia, habría encontrado toda una industria y un público en el que apoyarse más allá de lo que se hizo mientras estuvo en prisión, y su talento como artista se vería menos opacado por su condición como exconvicto.

La economía del hip hop en cifras

Con ayuda del proyecto Atracktion, un grupo de Visualización Científica del Barcelona Supercomputing Center que interpreta en gráficos interactivos los datos de la lista de Whitburn Project (un proyecto que recopila más de un siglo de historia musical), el diario español Vanguardia llegó a la conclusión de que el género Hip Hop es el que desde el 2000 ha logrado un mayor auge en éxitos comerciales y, por extensión, en cifras económicas.

De acuerdo con el diario, en su publicación El gráfico que explica qué estilo de música ha ganado más dinero desde 1950 (2016), muestra que aunque el género que históricamente ha recaudado más millones de dólares en su expansión ha sido el rock, la crisis de la industria musical tras el auge de la música digital ha revitalizado el hip hop, tal vez impulsado por ese sentido de comunidad que le rodea.

En todo caso, el diario encontró que, en plena crisis de la industria, la música rap es la que logró su mejor resultado en 2003, con 9,5 mil millones de dólares (nueve billones y medio de dólares, en numeración estadounidense) y una cuota de mercado, ese mismo año, del 36,8% (superior a la suma de rock y pop). Es decir, este género ha llegado a un punto en su país natal que ha ocupó una tercera parte de todo su vasto mercado, tal vez uno de los más competitivos del mundo.

Según el diario El País de España, en 1998 la música rap abandonó oficialmente su carácter de música underground (clandestina) cuando la afamada revista Time ubicó al género rapero en su portada, pues las ventas del hip hop habían superado la música “country”. En nuestra geografía, podríamos compararlo con que el rap hubiera superado en ventas al vallenato o la música popular, un hecho bastante interesante, pues una cosa es competir con un género que supera las barreras de las ciudades y tiene presencia regional nacional, con que un género 100% urbano hiciera mejores cifras que su competidor más musculoso de la música popular.

Ahora bien, si quisiéramos trasladar el éxito de este género en Estados Unidos al fracaso en Colombia, podríamos observar que las agrupaciones más famosas del género en Estados Unidos no estuvieron segregadas o diferenciadas por su contenido, sino que todas, desde las que promueven la “conciencia” colectiva hasta los que cuentan crudas historias callejeras o los que tienen letras tremendamente obscenas tuvieron el mismo lugar de exposición en su país, llegando a todos para quedarse con quienes más disfrutan de cada estilo.

En otras palabras, la industria musical, y puntualmente la industria del hip hop estadounidense perdió menos tiempo en discusiones sobre el contenido de las líricas y más en su expansión comercial, no solo traducida en productos musicales y videográficos, sino expandiéndose a otros mercados, como el cinematográfico, textil, entre otros.

Para citar algunos ejemplos clave, podemos recordar grandes representantes del Hip Hop hardcore con vasta difusión mundial, como Moob Deep, Wu Tang Clan, Das Efx o Mad Lion, así como podemos recordar otros que variaron sus temáticas entre el estilo gángster con otras líneas temáticas como el mismo Tupac, Snoop Dogg o Big Notorious. De la misma forma, podemos recordar otros grandes nombres que han trabajado todo tipo de perspectivas, unas veces más sociales que otras, pero siempre reinventándose sin mirar hacia atrás o hacia adelante, sino solamente trabajando por su propia música, como Jay Z, Nas, entre muchos otros.

También agrupaciones como Public Enemy o Gang Starr recuerdan que incluso haciendo letras de protesta el rap en Estados Unidos no se enfrascó en el contenido, sino en la difusión de la música.

En la actualidad, además, la aparición de solistas como 6ix9ine (que tiene muy mala fama por su estilo pandillero) dan cuenta de que el éxito musical no está mediado por la calidad de los contenidos, sino solamente por el talento y la habilidad de cada artista de figurar tanto en reproductores digitales como en emisoras locales.

No contentos con todos estos logros, los gringos exploraron aún más posibilidades combinando el hip hop con el pop, impulsando géneros alternos como el R&B, y conformando más sellos disqueros por sí mismos que empresas del sector financiero en Colombia (por citar un ejemplo). No obstante, es claro que muchos capítulos de la historia del hip hop en Estados Unidos tienen momentos oscuros, como los famosísimos y aún no esclarecidos homicidios de Tupac y Notorious.

¿Por qué no despega el género en Colombia?

El rap colombiano tiene buena fama, y algunos de sus representantes más importantes como La Etnnia, Tres Coronas (agrupación de la que ha sido más destacado Rocca), Asilo 38, Gotas de Rap, Alcolirykoz, Crack Family, Flaco Flow & Melanina, entre otros, son reconocidos no solo en el continente, sino también en Europa por la calidad de sus producciones y por los sobresalientes contenidos de sus letras, independientemente de si son o no del gusto moral de unos u otros.

Pese a las posiciones más radicales de uno y otro lado, la verdad es que el género está subvalorado en el país, y se trata de una gema en bruto que se ha desgastado entre quienes se acusan de no permitir el crecimiento de la escena por mantenerse en la posición real o underground, y quienes sostienen que el rap debe crecer sin temores absurdos sobre los contenidos de las letras, las innovaciones musicales, o la participación de los artistas en publicidad.

“La idea que llegó a Colombia del Hip Hop se quedó corta, llegó esa idea revolucionaria callejera y rebelde de hacer música y expresar por medio del micrófono las inconformidades sociales, sí, muy bonito hasta ese punto, y lo demás ¿dónde quedó? ¿Se perdió en un barco a la deriva? ¿Venía en un avión que se cayó en el mar? Nos robaron la oportunidad de hacer un movimiento sólido auto sostenible y tener una vida como la de Snoop Dogg, Cypress Hill, Ice Cube, Dr. Dre entre otros Raperos de la historia. ¡La respuesta a la pregunta del encabezado (¿por qué el rap colombiano sigue siendo pobre?) gira en torno a que la estupidez del “Rapero Colombiano” no ha permitido ver más allá de sus narices las oportunidades de negocio que se están perdiendo o mejor que se perdieron!”, sentenció Meco Saldaña para la revista digital especializada en Hip Hop Zona 57.

La inconformidad de Saldaña refleja una de las posiciones que tienen al género en un círculo vicioso que divide al público y, por extensión, al mercado objetivo del Hip Hop, mientras que otros se mantienen reacios a reinventar sus estilos y su forma de protesta o de narración de las realidades que se viven en los barrios del país. Pero este síntoma no sólo divide al público, sino que también se ha visto reflejado en la segregación de quienes en la música se caracterizan por las letras más crudas, y en las emisoras del país hay muy pocos espacios para que el verdadero crisol de posibilidades se muestre y que cada quién escoja.

Si bien hay muchos más espacios para la difusión de los artistas de música rap en el país, especialmente en plataformas digitales, las emisoras y la televisión parecen continuar tomando posición frente al tema -al igual que los de la comunidad hip hop- y mientras se ven ciertos tipos de agrupaciones en las pantallas y se escuchan en las emisoras, otros no tienen la oportunidad de ser escuchados por el público porque no existen muchos espacios realmente dedicados al género.

Serie documental ‘Tríptico’ 4j2t50 el arte colombiano como puente para la transformación social

Sat, 10 Aug 2024 02:00:27 +0000

Serie documental ‘Tríptico’: el arte colombiano como puente para la transformación social nlopez Vie, 09/08/2024 - 21:00

Colombia está lleno de arte, creatividad y sobre todo mucho talento, el cual actúa como un reflejo de nuestra diversidad y una expresión por medio de la cual se reinterpretan las múltiples identidades que coexisten en el territorio, donde el arte urbano cobra vida, las esculturas cuestionan las realidades, y las pinturas, a través de sus colores y formas, captan la experiencia humana.

A la programación de Señal Colombia llega la serie documental ‘Tríptico’, para destacar la versatilidad del arte en el país, y como una ventana para conocer toda una nueva generación de artistas plásticos colombianos que tienen mucho por contar a través de sus obras.

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Rebelde y provocador, el arte es una herramienta poderosa para generar diálogos, debates y construir una sociedad más inclusiva y consciente, por lo que tríptico se plantea como un espacio de difusión de esas perspectivas, buscando la reflexión, los cuestionamientos y la resignificación de conceptos.

En una época donde las divisiones parecen cada vez más profundas, el arte nos conecta y se proyecta como un puente para encontrar puntos en común, narrarnos historias y transformar nuestras realidades al poner sobre la mesa las problemáticas actuales de la humanidad.

A través de cuatro capítulos conversaremos con artistas plásticos colombianos, acompañados del Museo de Arte Contemporáneo, quien será nuestra guía en este recorrido, que hace un homenaje al poder transformador del arte.

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Cada episodio de la serie documental, nos inspira a ver el arte no solo como una forma de entretenimiento o belleza, sino como una herramienta esencial para el cambio social y un pilar esencial para apreciar las realidades del país, enfrentar las crisis y construir un mejor futuro.

Te invitamos a conectarte con artistas contemporáneos de nuestro país cada lunes a las 9:30 p.m. desde el 12 de agosto en las pantallas de Señal Colombia, la señal de la paz. ¡Tenemos una cita!

¡Conecta con las ideas de una nueva generación de artistas plásticos que tienen mucho por expresar! 🎨🖌️

¡Disfruta el estreno de 'Tríptico' este 12 de agosto! 📺+📲

Nos vemos a las 09:00 p.m. 🤲🏻 pic.twitter.com/KsVfDLIW8Y
— Señal Colombia (@SenalColombia) August 10, 2024

parrilla

Tríptico

El arte del bordado r2rx ¿por qué se celebra?

Fri, 26 Jul 2024 14:27:16 +0000

El arte del bordado: ¿por qué se celebra? lareyes Vie, 26/07/2024 - 09:27

Cada 30 de julio se celebra mundialmente el arte de bordar, efeméride que honra la creatividad de las personas que lo hacen y la tradición de esta milenaria técnica textil.

El bordado es mucho más que una simple labor manual. Es una forma de arte en la que se entrelazan la labor ancestral y la expresión artística que permite a través de diferentes tipos de hilos, agujas, texturas y tejidos, plasmar diseños por parte de las personas bordadoras que resaltan y mantienen viva la identidad de diferentes culturas.

El bordado ha sido una actividad comunitaria que reúne a personas de diferentes generaciones, fomentando el intercambio de habilidades y conocimientos.

En la actualidad el bordado se considera una actividad terapéutica que reduce el estrés y mejora los niveles de concentración.

Cartago, Capital del bordado

En Colombia, la ciudad conocida por su tradición en el bordado es Cartago, en el Valle del Cauca, siendo esta actividad económica una de las principales entre la comunidad gracias a su auténticos y delicados bordados, utilizados especialmente en ropa de cama, mantelería y prendas de vestir.

El Museo del bordado Calle Real hace honor al arte de los bordadores y bordadoras para la conservación y la protección de esta tradición cultural, de la misma manera, exhibe una colección de piezas bordadas que muestran la evolución de esta técnica artesanal a lo largo del tiempo, y ofrece talleres y actividades educativas para quienes desean aprender más sobre el arte del bordado.

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Día Mundial del Bordado

Esta fecha fue establecida por la organización sueca "Broderiakademin" (Academia de Bordado) en 2011. La intención de esta celebración es la unión de la comunidad bordadora a nivel mundial, la preservación de la cultura, el aprendizaje de esta habilidad como expresión personal, pero sobre todo homenajear a los y las bordadoras que han mantenido viva esta técnica.

Es así, como el Día Mundial del Bordado es una oportunidad para honrar a los artesanos y artesanas que han mantenido viva esta técnica e inspirar a nuevas generaciones.

5 obras imperdibles del pintor Vincent Van Gogh 3n6w3m

Tue, 23 Jul 2024 16:59:43 +0000

5 obras imperdibles del pintor Vincent Van Gogh

Autorretrato de Vincent Van Gogh

djauregui Mar, 23/07/2024 - 11:59

La obra del artista neerlandés Vincent Van Gogh (30 de marzo de 1853 - 29 de julio de 1890) hace parte de algunas de las colecciones más prestigiosas del mundo, y se puede encontrar en museos como el MoMA de Nueva York, el Museo de Orsay, e incluso en el Museo Van Gogh, en Amsterdam.

¿Quién fue Vincent Van Gogh?

De acuerdo con las biografías de Vincent Van Gogh, este artista es considerado el exponente por definición del impresionismo y el postimpresionismo en el mundo de las artes plásticas. Es en la actualidad una leyenda del arte que aún hoy mantiene su imagen enigmática, y de la cual dejó huella en su extensa obra, compuesta por casi mil pinturas y más de mil quinientos dibujos.

A pesar de su popularidad comercial en el presente, Van Gogh vivió bajo la sombra del aparente fracaso, pues sólo hasta después de su muerte su obra empezó a hacerse popular. A través de sus obras y epístolas con su hermano Theo se saben algunos detalles de su vida, algunas veces tormentosa por su condición psicológica que desencadenó en su suicidio.

De su pintura los expertos concuerdan que se trata de obras emocionales y atemporales, brutalmente sinceras y por eso mismo muy populares, además de fresca y espontánea que reflejaba su incesante necesidad por pintar.

Por eso, te dejamos 5 obras para conocer a este artista, en caso de que quieras conocer aún más su obra y las exposiciones que lleguen al país de este artista.

5 obras para conocer a Vincent Van Gogh

La noche estrellada (1889)

La noche estrellada es una de las pinturas más famosas de Vincent Van Gogh, y se trata de casi un ícono de su obra. Se puede encontrar en las paredes del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA), donde actúa como uno de los mayores atractivos del museo.

Es considerada una de las obras de arte más emblemáticas que existen en la actualidad, con su cielo nocturno característico junto a los espirales de estilo expresionista, continúa generando una fuerte respuesta emocional entre el público.

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Autorretrato (1889)

Este autorretrato es otra de sus más famosas obras, pues se trata de su representación más icónica en un lienzo. En la actualidad, esta pintura reposa en el Museo de Orsay en París ubicado en el antiguo edificio de la estación ferroviaria de Orsay, la cual alberga la mayor colección de obras impresionistas del mundo.

Esta pintura, como la noche estrellada, lleva los remolinos alucinatorios, denotando en su retrato una intensa sensación de turbulencia. Tal vez se deba a que cuando muchos piensan en este artista, se le ha etiquetado como un personaje intenso y melancólico lleno de expresión y confusión emocional.

Girasoles (1888)

Girasoles es una serie de pinturas de Van Gogh tan icónicas que se pueden encontrar en exhibiciones de todo el mundo desde el Museo Metropolitano de Nueva York (MET), el Museo Kröller-Müller en Otterlo (Países Bajos), el Museo Van Gogh en Amsterdam, el Museo de Bellas Artes de Berna en Suiza, la galería Nacional en Londres, el Museo de Arte de Filadelfia, el Sompo Japan Museum of Art en Tokio hasta la Neue Pinakothek en Múnich, Alemania.

Van Gogh creó mientras estaba en la ciudad de Arlés, ubicada al sur de Francia, y consta de cuatro versiones iniciales y tres repeticiones sobre la misma idea. Al parecer Vincent Van Gogh estaba encantado con los girasoles, pues su creación sobre estas plantas no se quedó allí e hizo una gran cantidad de pinturas con base en sus flores.

Campo de trigo con cuervos (1890)

Campo de trigo con cuervos es una de varias representaciones de los campos de trigo que le rodearon durante una de las etapas de su vida, según parece, en sus últimos días.

Este campo de trigo es tal vez su cuadro más famoso de dicha serie, donde según los expertos parece mostrar una sensación de aislamiento y soledad, en el que se ve un camino que termina en medio del campo rodeado de cuervos, pero que no parece conducir a ninguna parte.

Hoy en día esta pintura se encuentra alojada en el Museo Van Gogh de Amsterdam.

Noche estrellada sobre el Ródano (1888)

Durante su estancia en la ciudad de Arlés, Vincent Van Gogh tuvo una época de turbulenta exploración de la cual resultaron muchas de sus más famosas pinturas. La Noche estrellada sobre el Ródano es una representación de una noche estrellada a orillas del Río Ródano, cuyo cauce discurre por el sur de Francia y Suiza.

En la pintura se puede ver a una pareja de ancianos que caminan pacíficamente por la costa tomados del brazo. A su vez deja ver unas barcas que reposan junto a la orilla del río a la vez que Van Gogh enfatiza el brillante cielo nocturno.

Al fondo, el pintor retrató la ciudad al otro lado del río, cuyo resplandor de los edificios y las linternas de los botes se reflejan en la superficie del agua con pequeñas ondulaciones que dotan de realidad al paisaje.

En la actualidad esta obra se encuentra en el Museo de Orsay, en París.